TRES JÓVENES TALENTOS

Hoy queremos centrarnos en un entorno más cercano y actual, queremos compartir con vosotros tres jóvenes artistas españoles emergentes, diferentes y originales.
Si el mundo del arte en general está poco valorado, en España quizás más, por tanto, démosle cabida en este rincón. Y si conoces o eres artista, muéstranos tu obra, ¡por qué no!

ERNESTO ARTILLO

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En el arte del collage, destaca con especial renombre este joven artista malagueño, “el chico de moda”. Collages realizados con gran maestría que nos atrapan de inmediato gracias a las transformaciones en las perspectivas corporales y espaciales por medio de los recortes que utiliza, ofreciendo infinitas lecturas a través de la reconstrucción de imágenes. Su gran gusto para combinar elementos prefabricados, fotografías o textiles, le llevan a crear bellas composiciones que se salen de lo convencional.

Un trabajo enfocado al mundo del arte, la moda, la fotografía y la publicidad, dando de esto  una carga estética que media entre el arte clásico y las nuevas tendencias. Incitándonos a valorar el arte como un proceso mental, esa habilidad de saber elegir y asociar, que da lugar a nuevas imágenes y nuevos significados. Para él, «todo forma parte de lo mismo»

Una trayectoria corta por su juventud, pero muy intensa, llegando a trabajar para revistas como Glamour, Tendencias o H Magazine y para firmas de la talla de Dolce & Gabanna o Rabaneda. Además de la exposición de sus obras por diferentes exposiciones y galerías de arte.

ARTILLOSobre Ernesto Artillo: http://www.ernestoartillo.com/

OKUDA |Okuda San Miguel

                  Visiones Diluidas
         Imagina. San Javier. Spain

Oscar San Miguel Erice, o como es artísticamente conocido, Okuda, Okuda San Miguel, nació en Santander, donde empezó a dar sus primeros pasos. Poco a poco se ha ido convirtiendo en uno de los artistas nacionales con mayor proyección en el arte de la pintura-mural o graffti. Multidisciplinar, que combina fotografía, pintura, escultura e instalación proponiendo una reflexión en torno a las contradicciones e incoherencias de la vida moderna, la falsa libertad del capitalismo o el sentido de la vida.

Ha expuesto en galerías de todo el mundo, tanto en exposiciones individuales como colectivas, y ha trabajado para marcas de la talla de PUMA, Adidas, Nike, Play Station, Nissan o Telefónica entre muchas otras.

Si pasas actualmente por Bilbao, tendrás la oportunidad de ver expuesta la obra más reciente del artista santanderino, “DREAM OR DIE” en SC Gallery hasta el 28 de febrero. Una muestra que combina fotografía, pintura, escultura e instalación proponiendo una reflexión sobre las contradicciones e incoherencias de la vida moderna.

    Aquí tenéis un vídeo/creación del artista, Movember x Okuda: Arte por una buena causa  |Sobre Okuda San Miguel: http://okudart.es/

SARA HERRANZ

ARTILLO

Para terminar este post lo hacemos con Sara Herranz, quizás la más inexperta pero todo un descubrimiento, una joven ilustradora tinerfeña que desde hace poco está empezando a sonar con fuerza. Su trabajo empezó de casualidad, “tras una crisis de identidad” creó un pequeño blog como una vía de escape donde mostrar sus dibujos. Sus ilustraciones minimalistas son de líneas limpias, elegante blanco y negro, con algunas salpicadas de rojo que aparece como de sorpresa, en unas uñas pintadas, labios,.. Acompañadas de microrelatos que destacan por la sutilidad y las escasas treinta palabras que los componen. “Rupturas amorosas productivas”, o “Las tristes” podrían ser el título de sus obras, donde las intimidades y el cuerpo femenino es su base, dando de esto un trabajo sensible, irónico, rebelde, pícaro, o honesto, que engancha, y capta la atención.

Ha tenido sus primeras exposiciones en Madrid, donde reside, y Tenerife, su ciudad natal.

saraSobre Sara Herranz: http://saraherranz.tumblr.com/

The Beatles

Seguro que si os hablamos del grupo “The Quarrymen” o de Johnny and the Moondogs”, no sabríais de quién estamos hablando. Pero, ¿y si os decimos que no son otros que “The Beatles”?  Aquellos cuatro amigos de Liverpool que llegaron a todos los rincones del mundo. John Lennon, Ringo Star, Paul McCartney y George Harrison.  Este gran grupo (muy influenciado por la música de Elvis Presley) nació en los pubs y bares de Liverpool, y poco a poco fueron creciendo más y más. Ganando fama gracias a su pegadizo estilo, la originalidad de sus canciones y sus letras románticas, llegaron a los corazones de las masas juveniles de la década de los 60, creándose un hecho sin precedentes en la historia de la música. Sus canciones hablaban de alegría, de suerte, de felicidad, de ilusión, de paz. También podían hablar de guerras, de dolor, de tristeza, de desesperanza. Podían cantar y escribir sobre todas esas cosas… Pero sobre todo, sus canciones hablaban de amor y de lo necesario que es. Es increíble pensar que, como unos cuatro chavales de Liverpool se dieron cuenta de lo importante que es sentirse querido… y querer.

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Algo tan simple. Porque eso era lo que les caracterizaba: la simplicidad unida con la genialidad, lo común con lo extraordinario. Es difícil pensar cómo pudieron llegar a tantos sitios, a tantas personas… Es difícil pasear por las calles de Liverpool sin pensar que cómo pudo nacer algo tan grande entre ellas. Desde su primer álbum “Love me do” (el cual llegó a los primeros puestos de las listas musicales británicas en un tiempo mínimo),  hasta su último “Let it be”, hay una gran historia y una colección excepcional de música e historias que marcaron un antes y un después.  Sin olvidarnos de la “Beatlemania”: millones de fans que los adoraban, primero en Gran Bretaña y más tarde se extendió a los Estados Unidos, donde fueron recibidos con mucho afán y alegría (sobre todo por parte de las chicas).  Conforme pasaban los años, su fama no disminuía. Cada disco que grababan era un nuevo éxito. Las ventas aumentaban y aumentaban, y siempre se mantenían en las listas de éxitos musicales. Hoy en día, sus discos siguen estando entre los más vendidos cada año.

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Todo acabó con el último álbum “Let it be”: a partir de este disco, la banda se disolvió debido a problemas internos  y cada uno siguió con su carrera en solitario.

Pero no todo quedo ahí, ni quedará. A todos nos gusta pensar que “The Beatles” nunca acabaron, y que siempre estarán entre nosotros. Escuchamos sus canciones y sólo una cosa se nos pasa por la cabeza, ¿cómo lo hicieron? ¿Cómo lo siguen haciendo? Cautivar a tantas personas con letras, melodías, emociones… Cada uno aportó lo suyo: Ringo, George, Paul y John. Pero, como antes hemos hablado de genialidad, es imposible no hacer hincapié en Lennon. John era el alma de la banda, era el centro de las guitarras y baterías, un rebelde, un icono, un héroe. Era John Lennon, ¿qué más decir? Un gran artista que debería seguir entre nosotros. Debería seguir mostrando su arte y sentimientos… Debería seguir “imaginando a todas las personas viviendo en paz”.

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Si hoy en día más personas escucharan sus canciones y se parasen a oír sus letras, el mundo iría mejor. El mundo siempre va mejor cuando se le presta un poco de atención a los genios que tantos ignoran.

Hicieron historia. Y por eso, estos cuatro chavales de Liverpool siempre serán considerados como eternos en la música.

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The Beatles, Londres, 1968.  5

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¿ARTE?

¿Cual es la obra de arte más rara que has visto? No hay duda que el concepto de arte es muy amplio, engloba muchos significados y cada artista hace, crea o plantea el concepto de forma subjetiva. A continuación os dejamos algunas de las obras más extrañas, raras, singulares e incluso discutibles, que han dado la vuelta al mundo,sin duda, no os dejarán indiferentes.

Ya que el arte es tan subjetivo, ¡animaros a opinar vosotros mismos!

Piero Manzoni: Mierda de artista (1961)

Este polémico artista presentó una serie de 90 latas de conserva en las que supuestamente había introducido sus propios excrementos al natural, suponiendo una de las críticas más radicales a la valoración de las obras de arte. Que se conozca, nunca se ha abierto ninguna de estas latas etiquetadas en diferentes idiomas, lo que algunas publicaciones han llegado a afirmar que su verdadero contenido en realidad fuese yeso. En 2008, una de ellas fue subastada por 149.000 dólares.

Doris Salcedo: 1550 sillas apiladas entre dos edificios (2003)

Un enfoque centrado en enviar mensajes al mundo usando objetos de la vida diaria. En 2003 Salcedo llenó el espacio entre dos edificios de Estambul, con ni más ni menos que 1550 sillas, “evocando a las masas de trabajadores itinerantes anónimos que soportaron nuestra economía globalizada”.

Mark Jenkins: Bajo el arco iris (2008)

Mark Jenkins llena las ciudades de figuras que se adaptan al contexto urbano, con a veces de manera normal y divertidas, o otras inquietantes y surrealistas. Sus esculturas interactúan con el entorno, causando una interrupción, incertidumbre e incomodidad para el espectador. Buscando como meta parar a cualquier persona, y hacerle reflexionar.MARK

Benjamin Verdonck: Nido Rotterdam (2008)

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Benjamin Verdonck vivió cinco días en este nido gigante adosado a la fachada de un edificio.

Luzinterruptus: Literatura Vs Tráfico (2012)

Las calles de Melboune aparecieron repletas de libros con pequeñas luces  de LED unidas en sus paginas. Más de 10 mil libros tirados destinados para ser destruidos o reciclados, fueron rescatados y se llenaron de luz para alumbrar la ciudad, detener a todos los peatones y conductores y para, al final, invitarlos a llevarse algunos de sus ejemplares favoritos.

La reacción de estos fue de curiosidad e interés, donde interrumpieron su camino docenas de personas para sentarse, hojear libros al azar y leer fragmentos de estos.

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Orestes de la Paz: Jabón humano (2013)

El artista utilizó su propia grasa corporal, extraída mediante una liposucción, para confeccionar 20 pastillas de jabón que vende al precio de 1.000 dólares cada una. El jabón está compuesto de un 25% de grasa humana, 30% de aceite de coco, 30% de grasa vegetal orgánica, 15% de manteca de Karité, y un poco de esencia de lavanda y aceite de palma.

ku xlarge Las obras de arte más extrañas del mundo

LA MOVIDA MADRILEÑA

Hoy queremos hablaros sobre quizás el movimiento artístico y cultural que marca la España del siglo XX, la movida madrileña, una explosión de creatividad en teatro, cine, moda, y vida nocturna. Un fenómeno no planeado que nacía en España a finales de los 70 y los  80.

España tras la muerte de Franco y los continuos enfrentamientos políticos pasaba por una delicada situación, donde además de esto se encontraba con un gran retraso cultural, dejándola prácticamente en la cola de Europa. Llegados a este punto, con la entrada de la democracia y la libertad de expresión, el país empieza a experimentar su primer movimiento cultural  de libertad en las calles, dando lugar a de la cultura Punk, la moda o la revolución sexual.

La Movida fue un momento de expresión creativo de música pop y underground, comics, fotonovelas, marketing, películas y diseños extravagantes. Con una moda giraba en torno a la purpurina, maquillajes exagerados, chaquetas de cuero y peinados multicolores.

Músicos, pintores, fotógrafos, o cineastas iban conformando una escena artística multidisciplinaria  con referencias culturales españolas. La manifestación más conocida de la movida es la musical. Representada por grupos como Kaka de Luxe, Alaska y los Pegamoides/Dinarama, Mecano, Zombies y Paraíso, Radio Futura, Gabinete Caligari, Nacha Pop, Tino Casal, Loquillo y los Trogloditas, Los Secretos o Hombres G, formando una escena basada en lo musical, caracterizada por utilizar el castellano en sus letras.

En la pintura y diseño, destacaban artistas como Ceesepe, Costus, El Hortelano, Guillermo Pérez Villalta, Fabio McNamara o Juan Gatti.

Ouka Leele, fotografía

En cuanto a la fotografía, algunos de los representantes de este movimiento pueden ser Ouka Lele (característica por colorear sus fotografías en blanco y negro con acuarelas)Alberto García Alix, Pablo Pérez Minguez o Miguel Trillo.

En cine, el máximo exponente sería Pedro Almodóvar, además de la figura más representativa del movimiento, con películas como Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980). También aparecerían Fernando Trueba con películas emblemáticas como Ópera prima (1980) o Iván Zulueta. 

Todos ellos contribuyen a que Madrid se convierta en pocos años, en una ciudad de referencia. Un auge que toma su impulso final con la llegada en 1982 del primer gobierno socialista, y que también surge en otras ciudades, como Vigo, Barcelona, Bilbao Sevilla.  

La movida madrileña, un espíritu aún vivo en el barrio madrileño de Malasaña, el mítico lugar donde nació.

[Os dejamos Frenesí en la gran ciudad (La movida madrileña), un documental que a través de sus protagonistas vemos cómo vivió Madrid el paso de los 70 los 80]

“Tacones Lejanos” – Pedro Almodóvar
Fotografía: Juan Gatti|Elenco: Victoria Abril, Miguel Bosé, Marisa Paredes, Miriam Díaz Aroca y Bibiana Fernandez.

  

     Pepi, Luci, Bom – Pedro Almodóvar
Cartel promocional: ilustración de Ceesepe
Elenco: Carmen Maura, Eva Siva y Alaska

Salvador Dalí y su “Persistencia de la memoria”

Hoy en Be Art os vamos a hablar del artista español mundialmente conocido, Salvador Dalí. Nacido el 11 de mayo de 1904, se convirtió en un referente mundial de la pintura surrealista, caracterizado por su paranoica, desbordante e increíble imaginación. Era una persona peculiar que intentaba, ante todo, salirse de lo preestablecido y dejar fluir el subconsciente. Vivió creyendo que era la reencarnación de su hermano, que falleció poco antes de su nacimiento. Dado su nivel de singularidad, llegó a ser expulsado del movimiento surrealista.

 Sus obras describen un extenso y personal universo simbólico donde representa sus miedos, pensamientos, sueños, obsesiones… En definitiva, todo lo que recorre su más profundo subconsciente.

 Dentro del movimiento surrealista, las obras de Dalí pertenecen a la versión figurativa, aquella tendencia en la que las escenas sorprenden al espectador debido a su delirante asociación de objetos. Uno de sus cuadros más conocidos es un óleo que compuso en 1931, “La persistencia del tiempo”. Esta obra representa un paisaje onírico, de grandes espacios dilatados, donde se observa una paradójica asociación de elementos.

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“La persistencia de la memoria”, Salvador Dalí

En el primer plano izquierdo, podemos observar un bloque, que parece ser de madera, que actúa como mesa que sostiene dos relojes y un tronco de un árbol, con su respectiva rama y otro reloj colgando de ella. El reloj situado a la derecha, sobre la mesa, es más blando y grande, y sobre el se descansa una mosca. El reloj de la izquierda, más pequeño y de color anaranjado, no parece ser blando pero, sobre él, aparecen también insectos, en este caso, hormigas. El reloj que pende del árbol es blando también y de aspecto similar al primero.

En el punto central de la obra encontramos un extraño elemento rodeado por el cuarto reloj, también blando, que parece ser una cabeza blanda y alargada, cuyo cuello va desapareciendo paulatinamente en la oscuridad de la arena donde yace. Destacamos su nariz, una lengua que sobresale de ella y un ojo cerrado con sus largas pestañas. Todo estos elementos se encuentran en una playa, donde al fondo se observa el mar y un acantilado a la derecha.

Dalí, en sus obras, parece retratarse a sí mismo, con sus obsesiones o miedos. Algunas teorías sobre “La persistencia de la memoria”, afirman que la aparición de relojes blandos y con aspecto derretido es debido a su rechazo al tiempo como una entidad rígida o determinista. También se ha relacionado con la Teoría de la Relatividad de Einstein. Los insectos hacen referencia a una entidad destructora natural, idea que venía determinada por un recuerdo de su infancia. Dalí afirmó que la idea de los relojes fue tomada de la observación de dos pedazos de queso camembert derretidos al sol un caluroso día de agosto.

“El payaso no soy yo, sino esa sociedad tan monstruosamente cínica e inconscientemente ingenua que interpreta un papel de seria para disfrazar su locura”.

 “El tiempo es una de las pocas cosas importantes que nos quedan”.

 “Me interesa mucho más hablar, o estar en contacto con la gente que piensa lo contrario de lo que yo pienso, que de los que piensan lo mismo que pienso yo”.

Los 10 cuadros más caros del mundo

En esta ocasión tratamos la lista de los mayores precios pagados por un cuadro, teniendo en cuenta que la mayoría de los cuadros más famosos del mundo pertenecen a museos, no suelen ser vendidos, por lo que el precio es simbólico y representa el último valor por el que fue adquirido.

El precio pagado por cualquiera de estos cuadros no tiene por qué tener relación con su belleza, sino con su significado cultural o su popularidad.

1.      “Los jugadores de cartas” (Paul Cézanne) – 1892/93

La intensidad de los rostros de los jugadores hacen de esta pintura una de las obras maestras de la pintura post-impresionista.

  • Precio de venta: 250 millones de dólares.
  • Precio ajustado a inflación: 258,4 millones de dólares.
  • Venta privada, 2011.
  • Vendedor: George Embiricos.
  • Comprador: Familia Real de Catar.

2.      “La Rêve (El Sueño)” (Pablo Picasso) – 1932

Es una de las pinturas más sensuales y famosas de Pablo Picasso, y representa a su amante Marie-Therese Walter sentada en un sillón rojo con los ojos cerrados.

  • Precio de venta: 155 millones de dólares.
  • Precio ajustado a inflación: 155 millones de dólares.
  • Venta privada, 2013.
  • Vendedor: Steve Wynn.
  • Comprador: Steven A. Cohen.

 

3.      “Three Studies of Lucian Freud” (Francis Bacon) – 1969

No sólo se trata de la pintura más cara jamás subastada, sino que supone un récord de cotización para una obra de arte contemporáneo.

  • Precio de venta: 142,4 millones de dólares.
  • Precio ajustado a inflación: 142,4 millones de dólares.
  • Christie’s New York, 2013.
  • Vendedor: Francesco De Simone Niquesa.
  • Comprador: Anónimo.

4.      “Number 5, 1948” (Jackson Pollock) – 1948

Es la pintura contemporánea más cara jamás vendida, pese a que la enorme suma no ha sido totalmente confirmada, aunque tampoco negada. Esta venta demuestra el creciente interés por las obras de Arte contemporáneo. 

  • Precio de venta: 140 millones de dólares.
  • Precio ajustado a inflación: 161,4 millones de dólares.
  • Venta privada, 2006.
  • Vendedor: David Geffen.
  • Comprador: David Martínez.

 

5.      “Woman III” (Willem de Kooning) – 1952-53

Esta pintura es la única de la serie “Mujeres” todavía en manos privadas. Junto a la obra de Pollock demuestra la enorme escalada en las cotizaciones de las obras del Expresionismo Abstracto.

  • Precio de venta: 137,5 millones de dólares.
  • Precio ajustado a inflación: 158,6 millones de dólares.
  • Venta privada, 2006.
  • Vendedor: David Geffen.
  • Comprador: Steven  Cohen.

 

6.      “Adele Bloch-Bauer” (Gustav Klimt) – 1907

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La adquisición de esta pintura por el magnate de los cosméticos Ronald Lauder conmocionó el mercado del Arte, no sólo por la espectacular cifra pagada, sino por la manera en la que fue vendida, alejada del ruidoso mundo de las subastas. 

  • Precio de venta: 135 millones de dólares.
  • Precio ajustado a inflación: 155,7 millones de dólares.
  • Venta privada, 2006.
  • Comprador: Ronald Lauder.

7.      “El Grito” (Edvard Munch) – 1895

Esta icónica obra es hoy por hoy la pintura más valiosa jamás vendida en subasta. Este pastel es la más colorista de las cuatro versiones que el artista pintó de este tema, y la única que permanece en manos privadas.

  • Precio de venta: 119,9 millones de dólares.
  • Precio ajustado a inflación: 121,3 millones de dólares.
  • Sotheby’s New York, 2012.
  • Comprador: Anónimo.

 

8.      “Flag” (Jasper Johns) – 1958

Jasper Johns pintó su primera bandera americana (su obra más famosa) en 1954–55, obra conservada en el MoMA.

  • Precio de venta: 110 millones de dólares.
  • Venta privada, 2010.
  • Comprador: Steven Cohen.

 

9.      “Desnudo, hojas verdes y busto” (Pablo Picasso) – 1932

Es el Picasso más caro jamás vendido en subasta. La pintura, anteriormente en la colección de Mrs. Sidney F. Brody, no había sido expuesta en público desde 1961.

  • Precio de venta: 106,5 millones de dólares.
  • Christie’s New York, 2010.
  • Comprador: Anónimo.

 

 

10. “Silver Car Crash, Double Disaster” (Andy Warhol) – 1932

Es la obra más cara de la mayor leyenda del arte pop. El monumental “Silver Car Crash” fue la estrella de la subasta de arte contemporáneo de Sotheby’s.

  • Precio de venta: 105,4 millones de dólares.
  • Sotheby’s New York, 2013.
  • Comprador: Anónimo.

 

EL ARTE ILEGAL

| BANKSY

El término de Street art se acuñó en los años 90, refiriéndose a todas las formas de expresión artística callejera. Traducido al castellano quedaría como Arte urbano, pero no solo aludiría al Graffiti (aunque este forma un pilar indispensable en él), las técnicas son diversas, como plantillas, posters, pegatinas, murales, etc.

Esta expresión artística se manifiesta principalmente en lugares públicos, con un objetivo principal: Sorprender al espectador, captar su atención. Adoptando en la última década un papel reivindicativo, llegando incluso a convertirse en la manifestación del pueblo, reflejando en ella las inquietudes de una sociedad.

Llegados a este punto, es prácticamente imposible hablar del Arte Urbano sin mencionar a Banksy. Un artista británico, del que se cree que nació en Bristol, convertido en un referente en el mundo Urbano. Oculta su identidad, por lo que a la sociedad en general le es imposible ponerle rostro y su independencia en cuanto a museos o exposiciones, dificulta su investigación.

Pero no es necesario conocer su edad, ni su nombre, para poder afirmar que en él reside lo que es el arte. Sus obras reflejan las grandes inquietudes de la sociedad de forma creativa y espontánea. Su trabajo, en su gran mayoría está compuesto por piezas satíricas sobre política, cultura, moralidad y etnias, donde combina escritura con graffiti y el uso de plantillas (stencils). Obras realizadas en ciudades como Londres, Berlin o NY.

[Bansky, un artista que hace reflexionar a la sociedad]

Street Art term was first used in the 90’s, referring to all Street art expressions. Translated to Spanish, it’ll be known as “arte urbano” but it won’t just allude to Graffiti, as most people think (although it’s a really important part of that kind of art). Techniques are various, like templates, posters, stickers, murals, etcetera.

The Street Art expression is mainly used in public places with a main objective: surprise the viewer to catch their attention. It has taken, in the last decade, an advocacy role, becoming a public manifestation, reflecting the society’s concerns.

At this point, is practically impossible to talk about Street Art without alluding to Banksy, a British artist who is thought to have born in Bristol, became a benchmark of the urban world. He hides his identity therefore, to most of the people, he’s impossible to recognize and his independency regarding museums or expositions, hinders the way to investigate him.

However, it isn’t required to know about his age or name to be able to assert that in him lives the art. Banksy’s artworks reflects society’s concerns in a creative and spontaneous way. His work is mainly composed of satirical pieces of Politics, Culture, Moral and Ethnicities, where he combines writing, Graffiti and stencils. There are some workarts done in London, Berlin or New York.